16.09.2017

Классические японские гравюры. Картины художников

Когда говорят «восточное искусство», в представлении часто возникает образ японской гравюры конца XVII — первой половины XIX века. Именно она, в глазах европейцев, представляет наиболее яркие черты искусства Востока. Красочная и изысканная, экзотическая и понятная по содержанию гравюра впервые привлекла внимание художников и любителей искусства во второй половине XIX столетия. Японской гравюрой увлекались Тулуз-Лотрек, Мане, Дега, Ван-Гог. Знакомство с ней повлияло на творчество ряда российских художников: Билибина, Сомова, Остроумовой-Лебедевой, Митрохина, Верейского. Сейчас японская гравюра заняла достойное место в ряду достижений мирового искусства. Гравюру этого периода, в отличие от современной, принято называть классической.

Вечерняя сцена в Синагава. Фрагмент диптиха. 1780-е гг. Т.Киёнага.

Вечерняя сцена в Синагава. Фрагмент диптиха. 1780-е гг. Т.Киёнага.

В XVII первой половине XIX века в искусстве японской гравюры развилось направление гравюры укиё-э — искусство отображения быстротекущего мира.

Ее появление было связано со становлением нового городского сословия ремесленников и торговцев. …Жить лишь дарованным тебе мгновением, наслаждаться, любуясь луной, цветением вишен, осенними листьями кленов, петь песни, пить вино и развлекаться, ничуть не заботясь о нищете, вызывающе глядящей нам в лицо, бездумно отдаваться потоку, подобно тыкве, бесстрастно влекомой течением реки. Это то, что мы называем укиё так говорили горожане новой столицы Эдо (с 1714 года) и старой Киото.

Японские гравюры «укиё-э» стали отражением всей жизни горожан, их вкусов, интересов, мод. В отличие от аристократической живописи средних веков, гравюра на дереве была многотиражной, доступной по цене и воистину популярной. Она основывалась на традициях книжной графики, программах излюбленного театра горожан Кабуки, но только с появлением станковой графики (то есть, в понимании японцев гравюр на отдельных листах) стала приобретать все большее значение как самостоятельный вид искусства.

Технологически, японские гравюры на дереве — это обрезные ксилографии.

Клише для нех изготовлялись на продольном срезе грушевого или вишневого дерева. Эскиз художника накладывался на доску, и все линии обрезались с двух сторон острым ножом. При этом, плавность рисунка древесных волокон не могла не сказываться на ее линеарном строе. Первоначально, гравюра была одноцветной, и весь сравнительно небольшой тираж подкрашивался от руки, что придавало произведениям особое очарование непосредственности и рукотворности.

Влюбленные. 1680-е. гг. Х.Моронобу.

Влюбленные. 1680-е. гг. Х.Моронобу.

Ранний период развития японской гравюры датируется 1680 — 1760 годами. Первым выдающимся мастером был Хисикава Моронобу (1618 — 1694). Его станковая графика на любовно-лирические и жанровые темы отличалась каллиграфической выразительностью линий, прославлением земной красоты, декоративностью, подчеркнутым стремлением к цветности. Большинство произведений Хисикава Моронобу имели горизонтальный формат, родственный формату книжного разворота. С книгой их роднили и виньетки в углах листа.

Киото. 1716-1748 гг. О.Масанобу.

Киото. 1716-1748 гг. О.Масанобу.

У Окумура Масанобу, также выдающегося мастера этого периода, наблюдался более самостоятельный подход к станковой гравюре. Хотя он еще предпочитал горизонтальные форматы, но использовал и вертикальные, уже никак не связанные с книгой. К 1740-м годам в гравюре была выработана техника двух-трехцветной печати, и Масанобу, изображая изысканные наряды своих героинь и атрибуты внешнего вида героев, охотно ее применял. Линии в гравюрах Масанобу стали тоньше, изящнее, художник употреблял их целенаправленно: лица героев обрисовывались тонко, а детали обстановки или контуры одежды шире, что придавало гравюре многообразие выразительных средств. Окумура Масанобу работал и в области театральной графики, но не был в ней таким новатором и энтузиастом, как Киёнобу. Он предпочитал сюжеты, которые были ближе к теме женской красоты. Следует сказать, что по традиции все роли в театре Кабуки исполняли мужчины. Художник избрал для себя тему актеров-юношей исполнителей женских ролей. На то, что они юноши, указывали лишь маленькие фиолетовые шапочки, закрывающие выбритый, как и подобало мужчине, лоб.

Тории Кнёнобу (1644 — 1729) — театральный художник японской гравюры, изображавший акторов театра Кабуки в самые драматические моменты представления.

Он учился у своего отца, актера и графика, и стал основателем династии театральных художников Тории. 15 его работах оформился жанр «якуся-э» — портреты актеров, появлявшихся на афишах, программах, плакатах и в станковой гравюре. Плакатность, легкая читаемость, укрупненность черт сказывались во всех произведениях Киёнобу. Ему удалось передать в гравюре всю динамику и драматизм сцен Кабуки, найти графический эквивалент героическому исполнительскому стилю арагото. Располагая парные композиции из двух борющихся актеров на вертикальном листе бумаги, Тории Киёнобу внес в композицию такое движение и страсть, каких до него гравюра не знала. Многие герои художника (как это было и в Кабуки) изображались полуобнаженными, причем все тело гримировалось в красный цвет цвет справедливой ярости и силы. Актеры запечатлялись в момент наивысшего напряжения так называемые кульминационные моменты миэ, специально предназначенные для того, чтобы зритель зафиксировал на них взгляд. Герои как бы говорили: посмотрите на нас какие мы сильные и могучие, как непримирима наша схватка. И художник старался передать саму суть их эмоций. Для этого он использовал специально им же изобретенные мазки мимидзугаки (червеобразные) в передаче напрягшихся мускулов, прием хётан-аси (уподобление мускулистых ног тыкве-горлянке), да и все линейное решение гравюры свидетельствовало о напряженности каждой линии и мазка.

Актеры театра Кабуки. 1714 г. Т.Киёнобу.

Актеры театра Кабуки. 1714 г. Т.Киёнобу.

В театральных японских гравюрах с самого начала широко использовались изображения монов — фамильных гербов актеров, украшавших их кимоно.

Моны, сами по себе, шедевры миниатюрной графики, выполненные в контрастной манере. Применение в гравюре, вдвойне подчеркнуло их красоту и графическую выразительность. На втором этапе развития гравюры (середина 1760  — 1800-х годов) расширился круг тематики, более ярким и глубоким стало раскрытие эмоционального мира человека, выявление характерных черт его внешнего облика. Это время нередко называют золотым веком японской гравюры. Оно ознаменовано деятельностью крупнейших художников, применявших листы разных размеров и развитую технику многоцветной печати. Первым мастером, который начал работать в этой технике, был Судзуки Харунобу. Он не только внес в искусство ксилографии технические новшества, но и использовал ее возможности в передаче сложного эмоционального состояния своих героев и героинь. Харунобу применял богатую цветовую гамму, получаемую при печатании с семи и более досок, и такой прием как раскат, создающий плавный переход от темного к светлому. Главное, он использовал великое множество разных по характеру линий: и толстых черных, и цветных, и тисненых, дающих едва заметную впадину на мягкой бумаге. Харунобу создатель нового идеала женской красоты: юной девушки с изящной тонкой фигурой.

Осэн с буйволом. 1760-е гг. С.Харунобу.

Осэн с буйволом. 1760-е гг. С.Харунобу.

Прототипом ее послужила реальная женщина дочь зеленщика Осэн, в честь которой современными городскими франтами слагались стихи и песни. В одной из гравюр Харунобу показал Осэн, ведущую буйвола, нагруженного двумя огромными плетеными корзинами, а в корзинах любовные признания и письма. Так, в образной форме, художник дал понять зрителю, насколько славилась красота Осэн. Харунобу рисовал своих героинь и в интерьере, и (что не вполне привычно для более ранней гравюры) на лоне природы. Знаменитая гравюра Харунобу Влюбленные в заснеженном саду свидетельствует о тонком лирическом начале, которое гравюра могла выразить через пейзажные фоны.

Параллельно с Харунобу работали и театральные графики, как прежней династии Тории, так и вытеснившие ее представители семьи Кацукава.

Произведения театральной графики в численном отношении составляют около половины всех японских гравюр. Велика и их художественная значимость. Им свойственны разнообразие тем, драматизм, декоративные эффекты, заимствованные из театра Кабуки. Основателем династии Кацукава был Кацукава Сюнсё (1726 — 1792), который почти всю жизнь посвятил театральной теме. Благодаря ему, она получила свое развитие усвоив все достижения полихромной гравюры. Каждый образ Сюнсё неповторим. Это и центральные героические роли, и лирические женские, играемые лучшими актерами. В композициях Кацукава Сюнсё можно нередко встретить новую форму триптих, появление которого было связано с желанием показать не только одного исполнителя, но и весь основной состав действующих лиц. Сюнсё вплотную приблизился к изучению исполнительского искусства, проник даже за кулисы, где выдающиеся актеры репетировали, одевались, гримировались, размышляли о спектаклях. Помещения, отведенные для этого, назывались зелеными комнатами, и Сюнсё создал специальную жанровую разновидность гравюры зеленые комнаты. Ученики и последователи Сюнсё продолжали творческие поиски учителя, стараясь все больше приблизиться к актеру, конкретнее передать его внешность.

Кацукава Сюнсё (1743 — 1812), например, выполнил первые погрудные изображения актеров на веерах и плакатах, а Кацукава Сюнэй (1762 — 1819) исполнил погрудные композиции-портреты на листах большого размера. Китао Сигэмаса (1739-1820) был основателем школы Китао. Для нее характерно стремление передать сходство в портретах знаменитых красавиц. Произведения Китао Сигэмаса считались примером хорошего вкуса в искусстве укиё-э. Его героини необычайно изысканны, их костюмы драпировались благородными складками, общая композиция всегда гармонично выстроена из многообразия линий и контуров.

Вечерняя прохлада га берегу реки Окава. 1780-е гг. Т.Киёнага.

Вечерняя прохлада га берегу реки Окава. 1780-е гг. Т.Киёнага.

Тории Киёнага (1752 — 1815) — представитель известной династии Тории, к удивлению современников, отверг свое знатное имя и подписывался только Киёнага.

Этим он выразил уход от театральной тематики, от ставших для него тесными канонов поздних Тории. И действительно, художник завоевал славу и без знатной фамилии. Достаточно сказать, что он был учителем великого Утамаро. Киёнага посвятил жизнь воспеванию красоты женщин, хотя иногда обращался и к театру. Большинство ксилографий художника изображают бытовые сцены, прогулки и шествия, знаменитых красавиц и даже (вопреки запретам) светскую жизнь. Для героев Киёнага характерно достоинство, спокойствие и изящество. Его образы идеальны. Фигуры имели удлиненные пропорции и располагались на листе в спокойном ритме шествия.

В квартале Минами. 1783 г. Т.Киёнага.

В квартале Минами. 1783 г. Т.Киёнага.

Тонкий овал лица, маленький рот, миндалевидные глаза и черные густые брови эти черты художник характерны почти для всех персонажей. В Кабуки, среди исторических пьес, он предпочитал пьесы из придворной жизни, романтические истории все, что так или иначе подразумевало действие героев высшего света. При их изображении, Киёнага избегал наивной роскоши и напыщенности. Одежды персонажей не отвлекали взгляда от силуэта фигур, применяемый орнамент не был назойлив, часто встречались гладкие черные кимоно. Художник одним из первых показал красоту и особую изысканность черного цвета в полихромной гравюре. Удивительны его графические листы, на которых фигуры представлены на фоне пейзажа. Это знаменитые триптихи Двенадцать месяцев на юге. Но, вероятно, самой привлекательной гравюрой является Вечерняя прохлада на берегу Окавы, где три красавицы, присев на помост, подставляют свои разгоряченные лица первому вечернему ветерку. В самом повороте голов девушек чувствуется, что они ощущают прохладу, и это невольно передается зрителю.

Час змеи. 1795 г. К.Утамаро.

Час змеи. 1795 г. К.Утамаро.

Киёнага не занимался портретированием. Эту задачу решил его прославленный ученик Китагава Утамаро (1753 — 1806) — один из лучших мастеров японской гравюры.

Только в 1790-х годах он выступил с самостоятельными работами, но его произведения сразу же получили повсеместное признание. С помощью плавной, текучей линии, то обобщающей объем, то тонко подчеркивающей детали, он создал изящный образ женской красоты утонченными чертами лица, приподнятыми, словно в удивлении, черными бровями и маленьким алым ртом, который вскоре стал воплощением национального идеала красоты. Художник прибегал к приемам, способным сделать восприятие произведения более острым тени на бумажной стене выявляли красоту силуэта фигуры, прозрачные ткани, прикрывающие лицо, придавали оттенок таинственности, рама зеркала подчеркивала четкость овала отраженного в нем лица. Сохраняя черты идеализации, Утамаро стремился выявить в портретах характер, различие примет внешности, темперамента, привычек поведения (серии Десять женских характеров, Дни и часы женщин). При этом, героини картин художника не лишены жизненной достоверности. Особенно, это присуще композициям на бытовые темы: серии Шелководство, Женщины за шитьем. Внимание к человеку и его характеру отразился в работах серии Большие головы. В них талант художника проявился наиболее ярко. Ксилографии выполнены в сложной технике полихромией печати на листах большого размера. Художник применил слюдяной порошок, дающий эффект серебристого мерцающего фона.

Три прославленных красавицы. 1795 г. К.Утамаро.

Три прославленных красавицы. 1795 г. К.Утамаро.

Если конец XVII века в жанровых японских гравюрах прошел под эгидой Утамаро и его последователей, то в театральной гравюре также появилась фигура, не имеющая себе равных. Это — Тосюсай Сяраку (1770 — 1825).

О жизни графика не сохранилось никаких свидетельств, кроме ста пятидесяти великолепных гравюр, в большинстве своем театральных. Сяраку проявил себя сразу зрелым мастером; еще более загадочно то, что уже первые его произведения изданы самым знаменитым издателем в наилучшем из возможных вариантов в крупном формате, на серебряных фонах, несколькими сериями. Сколько ни гадали ученые о настоящем имени (Сяраку псевдоним) и происхождении, все усилия раскрыть тайну оказались тщетными. Он настолько выделялся среди современных мастеров гравюры, что подыскать близких ему художников, которые могли бы оказаться его учителями или учениками, невозможно. Погрудные портреты актеров отличались как смелостью и артистизмом исполнения, так и предельно эмоциональной выразительностью. В них, стремление к характерности (постепенно нараставшее в театральной гравюре второй половины XVIII века) достигло своего апогея. Художник работал меньше года всего девять месяцев в 1794 и 1795 годах, и внезапное и полное исчезновение его столь же необъяснимо, как и внезапное появление. Но, несмотря на кратковременность художественной карьеры, он успел войти в историю как выдающийся мастер  театральной японской гравюры.

Большая волна в Канагаве, 18231831 гг. К.Хокусай.

Большая волна в Канагаве, 18231831 гг. К.Хокусай.

В XIX столетии, после таких фигур, как Утамаро и Сяраку, мало кто мог сравниться с ними в прежних жанрах изображении актеров и красавиц. Но именно в XIX веке в гравюре появляется пейзаж, с которым связан последний расцвет классической японской ксилографии.

Самый выдающийся пейзажист эпохи — Кацусика Хокусай (1760 — 1849).

В ранние годы он примыкал к школе Кацукава, чьи приемы эмоционально яркой трактовки человеческого образа воплотились в книжных иллюстрациях и театральных гравюрах. В дальнейшем, Хокусай изучал также классическую живопись Китая и Японии. Об овладении богатой художественной традицией классического Востока свидетельствует его многотомник рисунков Манга, изданный в 1812 —  1871 годах. В него вошли книги с изображением пейзажей, цветов, птиц, насекомых, животных, а также меткие жанровые зарисовки и тщательные штудии человеческого лица, мимики и жестикуляции. С 1820-х годов основной темой Хокусая стал пейзаж.

Женщина, зажигающая лампу. 1840-е гг. У.Кунисада.

Женщина, зажигающая лампу. 1840-е гг. У.Кунисада.

В сериях гравюр вытянутого, вертикального формата Новые мосты в различных провинциях, Путешествие по водопадам различных провинций, Поэты Китая и Японии общая отвлеченная трактовка пейзажа, соответствующая средневековой традиции, сочеталась с достоверно изображенными мотивами японского ландшафта. Самая знаменитая серия Хокусая 36 видов Фудзи, в действительности, содержит сорок шесть пейзажей. В этой серии священная гора Японии предстает как символ страны. Хокусай проявил немалую изобретательность, чтобы показать Фудзияму с самых разных, порой неожиданных точек зрения. На картинах художника гора предстает: то величественной, на первом плане (Южный ветер. Хорошая погода, Гроза), то отдалившейся от зрителя, обрамленной завитком волны, или вписанной в круг огромной бочки, которую мастерит на побережье искусный мастеровой. Фигуры людей, которые художник нередко отображал на переднем плане своих работ — неслучайная деталь, а изображение народа, который символизирует Фудзи.

Станция Камбара. Серия 56 станций Токайдо. 1833 г. А.Хиросигэ.

Станция Камбара. Серия 56 станций Токайдо. 1833 г. А.Хиросигэ.

Наряду с величественным образом природы, созданным Хокусаем, существовал тип пейзажа, проникнутый тонким лирическим чувством.

Его создателем был Андо Хиросигэ (1787 — 1858). Виртуозно, используя такие техники, как тиснение и раскат, Хиросигэ передавал зыбкие, преходящие состояния природы, атмосферные эффекты снега, тумана, дождя, уникальное настроение от различных частей страны. Наибольшую известность художнику принесла серия 56 станций Токайдо, т.е дороги, соединившей новую столицу Эдо со старой Киото. Эта серия (1833 — 1834 гг.) запечатлела обаяние японской провинции. Длительное время художник разрабатывал темы путешествий по стране, достопримечательных мест провинции, городов Эдо и Киото.

Ласточки и камелии под снегом. 1832 г. А.Хиросигэ.

Ласточки и камелии под снегом. 1832 г. А.Хиросигэ.

В гравюрах чувствуется выдающаяся индивидуальность манеры работы мастера, сумевшего в каждом из сотен пейзажей увидеть его самобытность и красоту. Хиросигэ проявил себя также большим мастером жанра цветы и птицы. Известная гравюра художника Ласточки и камелии в снегу (около 1830 г.) тонко передает ощущение первых холодов, покрывших снегом ветви камелий, заставивших ласточек взъерошить свои перья.

Красавица, пишущая письмо. 1840 г. А.Хиросигэ.

Красавица, пишущая письмо. 1840 г. А.Хиросигэ.

У Андо Хиросигэ, так же как у Кацусика Хокусая, было немало подражателей. Среди них Андо Хиросигэ II (1826 —  1869) и многие другие. Пробовали свои силы в пейзаже и представители театральной династии Утагава, которые в XIX веке образовали широко известную и разветвленную школу своего рода предприятие по выпуску театральных гравюр. Но, за рядом исключений, художники Утагава в XIX веке не создали сколько нибудь значительных произведений, в том числе и в жанре пейзажа. Хокусай и Хиросигэ остались двумя мастерами, с именами которых связаны наивысшие достижения классической японской гравюры.

При подготовке публикации были использованы материалы статьи «Японская классическая гравюра» Е.Сердюка, М.1982 г.

Читайте также:

ПОДПИШИТЕСЬ НА ОБНОВЛЕНИЯ ПО E-MAIL:




БЛАГОДАРИМ ЗА ДОБАВЛЕННУЮ ЗАКЛАДКУ: